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Über „The Clearing“

Wolf Alice haben einen langen Weg zurückgelegt, seit das Quartett aus Nord-London 2013 als junge Band auftauchte, die ihrer eigenen aufstrebenden Generation einen Spiegel vorhielt. Heute, mit ihrem vierten Album „The Clearing“, befinden sich Wolf Alice auf dem Höhepunkt ihrer Schaffenskraft und haben sich zu einer Band von generationsübergreifender Bedeutung entwickelt. „The Clearing“ ist eine selbstbewusste Sammlung von Songs, die vor Ambitionen, Ideen und Emotionen nur so strotzen. Während ihr Debütalbum „My Love Is Cool“ mit dem Grammy-nominierten Song „Moaning Lisa Smile“ die Euphorie und Verletzlichkeit ihrer ersten musikalischen Schritte einfing und perfekt untermalte, festigte der Nachfolger „Visions Of A Life“ aus dem Jahr 2018 ihren Aufstieg mit dem Mercury Music Prize, bevor sie 2022 mit „Blue Weekend“ und dem damit verbundenen Brit Award für die beste Band einen weiteren Meilenstein erreichten. Dabei hat sich Leadsängerin Ellie Rowsell zu einer Ikone des Storytelling entwickelt, die warnende Geschichten darüber erzählt, wie die Zwanziger einem wehtun, aber auch, wie wertvoll diese Zeit ist. Drei Jahre später und mit ihrem neuen Album „The Clearing“ haben Wolf Alice den Trendzyklus überwunden und eine Sammlung von Songs geschaffen, die wirklich zeitlos ist.

„Mit ‚The Clearing‘ habe ich mir einen Moment des Friedens vorgestellt“, sagt Ellie Rowsell über das neue Album. Sie hat es sich auf dem Sofa im Proberaum bequem gemacht, die Beine unter sich gekreuzt, und schaut zu den anderen Bandmitgliedern, die ihr zuhören, während sie ihre Vision erklärt. „Ich glaube auch, wenn man in einer Waldlichtung ankommt, ist das nie das Ende des Waldes. Man ist noch nicht aus dem Wald heraus, aber man verspürt Erleichterung.“ The Clearing verkörpert das Gefühl, die wilde Suche nach Identität in den Zwanzigern überstanden zu haben. Diese Metapher wird in dem psychologischen Porträt „The Sofa“ des Albums eingefangen, einem halb klagenden, halb achselzuckenden Blick auf alles, was man vielleicht nie sein wird. „Ich habe es nicht nach Kalifornien geschafft / Wo ich dachte, ich könnte reinen Tisch machen / Ich fühle mich ein bisschen, als stecke ich in Seven Sisters fest / Nord-London oder England / Und vielleicht ist das okay“, singt Rowsell.

Verspielt und ernst, ironisch und direkt – The Clearing ist ein progressiver Wandel einer Band, deren Auseinandersetzung mit Liebe, Verlust und menschlichen Beziehungen bereits die Coming-of-Age-Erfahrung einer ganzen Generation zum Ausdruck gebracht hat. Es ist ein klassisches Pop/Rock-Album, das an die 70er Jahre anknüpft und gleichzeitig fest in der Gegenwart verankert ist. Wenn Fleetwood Mac heute in Nord-London ein Album schreiben würde, käme man diesen elf mühelos grandiosen Tracks, von denen jeder so einzigartig ist wie der vorherige, ziemlich nahe. Klanglich gibt es keine Verschwendung, kein Schnickschnack, dafür Melodien, die so ausdrucksstark sind wie nie zuvor bei dieser Band. Dies ist ein Neuanfang, den jedes Bandmitglied genauso intensiv spürt wie die Zuhörer. Die erste große Veränderung kam beim Songwriting. Rowsell war inspiriert von der Kunst des Songwritings, die sie in Peter Jacksons Beatles-Dokumentation „Get Back“ gesehen hatte. „Ich glaube, dass das Timing, dass das gerade herauskam, als wir unsere Tournee beendet hatten, mich dazu gebracht hat, mich darauf zu freuen, in einer Band zu sein, anstatt mich an den Computer zu setzen und Beats zu machen“, sagt sie. Alles, was sie über das Schreiben eines Albums wussten, die instinktive Art und Weise, wie die Band bisher zusammenarbeitete, um Songs zu schreiben, musste ebenfalls aufgegeben werden. „Ich wollte mich in einen Raum setzen und Dinge auf ein Blatt Papier schreiben.“ Was sollte es in diesem Neuland bringen, Synthesizer-Layers aufzubauen oder an einem Bildschirm zu schreiben? „Einschränkungen sind enorm kreativ inspirierend“, sagt Gitarrist Joff Oddie, begeistert von der Erinnerung an die Entdeckung dieses neuen Rhythmus. „Wir brauchten eine Herausforderung, und wenn man so lange wie wir als Band zusammen ist, muss man sich entscheiden, ob man so bleiben will wie bisher oder etwas Neues ausprobieren will.“

Ellies Schreibprozess veränderte sich organisch im Einklang mit diesen konvergierenden Variablen. Sie stellte ein Klavier in ihr Haus im Norden Londons, und da sie mit diesem Instrument weniger vertraut war, wurde es zu einer neuen Leinwand, auf der sie kreativ sein konnte, eine Lernkurve, die es den Songs ermöglichte, über mehrere Wochen oder sogar Monate hinweg zu reifen. „Durch diesen anderen Prozess kam ich an einen Punkt, an dem ich ganz natürlich zu einem bestimmten Akkord oder etwas anderem kam und mich fragte: Ist das wirklich das Beste, was ich kann?“, erklärt Rowsell. „Dann kam ich nach ein paar Wochen darauf zurück und versuchte etwas Besseres, wobei ich in der Zwischenzeit vielleicht etwas Neues gelernt hatte, weil ich nun mit dem Kopf einer Songwriterin die Songs anderer Leute hörte.“ Während sie früher immer dachte, dass ihre erste Idee die beste sein müsse, zwang sie sich bei „The Clearing“, zu überlegen, ob nicht vielleicht die zweite, zehnte oder fünfzigste Idee die stärkste sei.

Da sie sich so sehr auf das Handwerk des Songwritings konzentrierten, wurde die 1970er Jahre zu ihrer wichtigsten Referenz. Es war eine großartige Zeit, behaupten sie, in der sich die DNA der größten Popmusik der Welt konsequent auf die Kunst des Songs konzentrierte. „Wir wollten kein Vintage-Album oder eine Pastiche machen“, sagt Ellis. Es sollte eine Neuinterpretation der Vergangenheit mit der Energie der Gegenwart werden, eine fantasievolle Mischung aus amerikanischer und britischer Folklore, ein moderner Klassiker mit Vintage-Charakter. Rowsell wollte vor allem Spaß haben. Blue Weekend war für sie ein emotional aufwühlendes Album gewesen; dieses Mal wollte sie etwas anderes machen. „Könnte die Musik das Zusammenspiel einer Live-Performance widerspiegeln und die schönen Dinge feiern?“, fragte sich Rowsell. „Anstatt der Dinge, zu denen ich mich immer hingezogen gefühlt habe, die schwerer zu verstehen oder schmerzhaft sind?“ Das war eine Herausforderung für die gesamte Band. „Einen fröhlichen Song zu schreiben, den man nicht ausschalten möchte, ist sehr schwer“, bemerkt Schlagzeuger Joel Amey.

Um den Großteil des Songwriting-Prozesses abzuschließen, haben sie sich wirklich in einen Raum zurückgezogen und das Album auf eine mehrere Meter lange Papierrolle geschrieben, die Rowsells Vater gespendet hatte. Das Ergebnis, das später über drei Monate in Los Angeles mit dem legendären Pop-Produzenten Greg Kurstin (Adele, Miley Cyrus, Lily Allen) aufgenommen wurde, ist eine neue Vision davon, was ein Wolf-Alice-Album sein sollte. Die beiden Pole Stars im Produktionsraum waren das Songwriting und das Klavier; Kurstins Fähigkeiten als Pianist erweiterten den Charme und die Tiefe dessen, was sie bereits geschaffen hatten. „Er hörte sich einen Song ein paar Mal an und konnte ihn dann von Anfang bis Ende spielen, alle Akkordwechsel, ohne die Akkorde zu kennen“, staunt Amey. Als Rowsell und Kurstin zusammen spielten: „Das hat mich umgehauen“, sagt er. „Es war so wunderschön.“ Dank seiner langjährigen Erfahrung in der Branche verfügte Kurstin über eine Sammlung alter Mikrofone und Bänder, die er nie benutzt hatte: Bei Wolf Alice freute er sich, damit genauso viel herumspielen zu können wie sie. So klingt „The Clearing“ – ganz so, wie sie es sich von Anfang an gewünscht hatten – einfach nur Spaß.

Das Album beginnt mit dem dramatischen „Thorns“, einer pianogetriebenen Ballade und dem ersten Song, der nach Blue Weekend geschrieben wurde. „Ooh, ich muss wohl narzisstisch sein / Gott weiß, dass ich nicht widerstehen kann / Einen Song darüber zu schreiben und zu tanzen / Vielleicht bin ich masochistisch“, monologisiert sie und genießt die Absurdität, persönlichen Schmerz in Kunst zu verwandeln. Im Rückblick auf den zutiefst persönlichen Charakter ihres vorherigen Albums fragte sie sich, warum sie sich so offenbart hatte. „In meinem kleinen Zimmer, mit meiner kleinen Gitarre, habe ich über einen Jungen geschrieben, der mich verlassen hat“, lacht sie. „Ich dachte, vielleicht liegt es daran, dass ich narzisstisch bin, aber dann wurde mir klar, dass ich einen Song über Narzissmus schrieb. Wie narzisstisch ist das denn? Ich fand das lustig und wollte das in der Größe der Musik widerspiegeln.“ Es ist ein grandioser Auftritt, als sich der rote Samtvorhang hebt und nur eine Frau die Bühne beherrscht.

Alles, was man beiläufig als Indie-Rock bezeichnen könnte, ist nun nur noch eine ferne Erinnerung. The Clearing klingt auch nicht so, als würde es besonders in den 70er Jahren leben wollen; es ist die Welt von Wolf Alice, nur eingefangen durch die subtil verblassten Kodak-Erinnerungen dieses Jahrzehnts. Im Mittelpunkt steht dabei stets Rowsells poetisches Storytelling. Ob sie nun aus großen Fragen wie der möglichen Mutterschaft („Play It Out“) kleine Tableaus schafft oder den Zuhörer ganz intim in den belebten Raum versetzt, während sie sich verliebt („Leaning Against The Wall“), die subtile Kraft ihres Songwritings ist beeindruckend.

Für den verträumten kalifornischen Pop-Soul von „Just Two Girls“ ließ sich Rowsell von der Tiefe und dem Spaß weiblicher Freundschaften inspirieren, davon, wie bestätigend Gespräche mit Freundinnen sein können (wo sonst hören Frauen Dutzende Male pro Treffen „Du hast so recht“. „Kleine Erleuchtungen, wenn sie mit mir trinkt / Sie mag es, wie ich die Leute im Raum überbewerte / Jede meiner Gedanken entblöße / Die Art, die man nicht bezahlen kann”, sinniert sie und vergleicht ihre Unterhaltung mit einer Therapiesitzung.

Mit seinem rollenden Bassriff ist „Bloom Baby Bloom“ eine clevere, testosteronfreie Variante des Heavy Rock. „Ich wollte einen Rocksong, der sich auf die Performance konzentriert und in dem ich wie Axl Rose singe, aber einen Song über das Frausein“, erklärt Rowsell. „Ich habe die Gitarre in der Vergangenheit als Schutzschild benutzt, vielleicht war das Spielen eine Möglichkeit, das Klischee der ‚Sängerin in einer Band‘ abzulehnen, aber ich wollte mich auf meine Stimme als Rockinstrument konzentrieren, daher war es befreiend, die Gitarre wegzulegen und einen Punkt zu erreichen, an dem ich nicht mehr das Gefühl habe, beweisen zu müssen, dass ich Musikerin bin.“

The Clearing gipfelt in einem fulminanten Doppelschlag mit „White Horses“ und „The Sofa“, den letzten Tracks, die die thematischen Fragen und Referenzen des Albums zusammenführen. Bevor der Hörer in der introspektiven Welt von „The Sofa“ – dem metaphorischen und wörtlichen Ruheplatz der Band nach so viel Suchen und Träumen – endet, muss er sich durch die zurückhaltende psychedelische Kraft von „White Horses“ begeben. Die temperamentvollen Zeilen im Duett „Know who I am that’s important to me / Do what I can to see the wood from the tree“ zeigen, wo Wolf Alice im Jahr 2025 musikalisch stehen: als Band, die von ihren Fähigkeiten überzeugt und völlig frei von Impostor-Syndrom ist. Sie sind in der Lage, zu spielen, zu experimentieren und sich durch Neuland zu lachen, ohne dabei ihre unverwechselbare DNA zu verlieren. Die Magie eines Wolf-Alice-Albums liegt in der besonderen Kollision der Köpfe von Ellie, Joff, Theo und Joel, die versuchen, all das zu verstehen.

„The Clearing“ ist das Porträt einer Band, die sowohl in ihrem Leben als auch in ihrer Kunst am Beginn eines neuen Jahrzehnts steht. Wolf Alice sind gemeinsam über die Wut und Unsicherheit der Jugend hinausgewachsen und scheuen sich nicht, sich diesen Narben zu stellen, während sie die hart erkämpfte Belohnung der Selbsterkenntnis in Anspruch nehmen.